Il suffit parfois de quelques notes de musique pour reconnaitre un film. Un thème musical peut annoncer un danger, accompagner une poursuite, donner une dimension héroïque à un personnage ou simplement installer une émotion. Les plus grands compositeurs de cinéma ont réussi ce tour de force : écrire des musiques qui existent au-delà des images.
Certaines sont devenues si célèbres qu’on les reconnaît sans même connaître leur titre. Ennio Morricone, John Williams, Hans Zimmer, Bernard Herrmann, John Barry, Danny Elfman, Jerry Goldsmith ou Alexandre Desplat appartiennent à cette famille de compositeurs dont les œuvres ont marqué plusieurs générations.
Ennio Morricone, le cinéma dans quelques notes
Ennio Morricone occupe une place particulière. Sa collaboration avec Sergio Leone a donné au western des sonorités nouvelles, immédiatement reconnaissables. Dans Le Bon, la Brute et le Truand comme dans Il était une fois dans l’Ouest, la musique ne se contente pas d’accompagner les images : elle participe à leur identité.
L’Homme à l’harmonica en est un exemple spectaculaire. L’instrument, les silences et la tension de la mélodie suffisent à créer une atmosphère. Le thème semble parfois raconter le personnage avant même qu’il ne parle. Morricone savait aussi utiliser des sons inhabituels, des voix, des sifflements ou des instruments isolés pour donner une personnalité très forte à ses partitions.
John Williams, quelques notes et tout un univers
Avec John Williams, le phénomène prend une autre dimension. Star Wars, Les Dents de la mer, Indiana Jones et Jurassic Park ont chacun leur identité musicale, mais tous reposent sur des thèmes immédiatement mémorisables.
Pour Les Dents de la mer, deux notes répétées peuvent suffire à installer l’angoisse. Star Wars repose au contraire sur une orchestration spectaculaire et des thèmes héroïques. Indiana Jones apporte une énergie d’aventure reconnaissable dès les premières secondes, tandis que Jurassic Park mêle émerveillement et grandeur orchestrale.
Williams a également composé la musique des Aventures de Tintin. Quelques secondes de son thème suffisent là encore à faire surgir l’univers de l’aventurier créé par Hergé.
Hans Zimmer, une autre façon de faire vibrer le cinéma
Hans Zimmer a contribué à faire évoluer le son des grandes productions contemporaines. Sa musique peut être orchestrale, électronique, minimaliste ou tout cela à la fois. Gladiator, Inception, Interstellar et Le Roi Lion montrent à quel point son écriture peut changer de forme tout en restant immédiatement identifiable.
Dans Interstellar, les sonorités de l’orgue et les répétitions donnent une impression de temps qui s’étire. Dans Inception, le son participe directement à l’atmosphère étrange du film. Pour Le Roi Lion, Zimmer construit au contraire une partition ample et émotionnelle, capable de passer de l’intime au spectaculaire.
Bernard Herrmann, le maître de la tension
Avant eux, Bernard Herrmann avait déjà compris combien la musique pouvait manipuler les émotions du spectateur. Sa collaboration avec Alfred Hitchcock a produit plusieurs partitions majeures, notamment pour Sueurs froides et Psychose.
La scène de la douche de Psychose reste l’un des exemples les plus célèbres du pouvoir de la musique au cinéma. Les cordes aiguës et répétitives renforcent la violence de la scène et sont devenues indissociables de son image. Chez Herrmann, la musique ne vient donc pas après l’action : elle en devient presque une composante physique.
John Barry, l'élégance du cinéma britannique
John Barry est particulièrement associé à James Bond, dont il a contribué à définir l’identité musicale. Ses orchestrations donnent aux films de l’agent 007 une combinaison de puissance, d’élégance et de sophistication.
Il a également signé la musique de Danse avec les loups. Son écriture y est très différente de celle de Bond : plus ample, contemplative et tournée vers les paysages. Cette capacité à changer complètement de registre rappelle qu’un grand compositeur ne possède pas une seule recette.
Danny Elfman, l'étrangeté devenue signature
Danny Elfman a développé une identité sonore immédiatement reconnaissable, particulièrement dans ses collaborations avec Tim Burton. Batman et Edward aux mains d’argent illustrent bien cette écriture faite de chœurs, de cordes, de cuivres et de contrastes parfois inquiétants.
Sa musique peut donner à un personnage une dimension presque fantastique avant même qu’il prononce un mot. C’est une autre manière de comprendre le rôle d’un compositeur : créer un univers sonore qui prolonge celui du réalisateur.
Jerry Goldsmith, du fantastique à l'action
Jerry Goldsmith a lui aussi laissé une empreinte considérable sur le cinéma populaire. Alien, La Planète des singes et Rambo appartiennent pourtant à des univers très différents.
Dans Alien, la musique contribue à installer l’isolement et l’inquiétude. La Planète des singes explore des sonorités plus expérimentales. Avec Rambo, Goldsmith adopte une écriture plus ample et dramatique. Cette diversité montre combien la musique de film peut changer de langage tout en restant au service du récit.
Alexandre Desplat, l'une des grandes signatures contemporaines
Alexandre Desplat appartient à une génération plus récente de compositeurs qui ont à leur tour imposé une véritable signature. The Grand Budapest Hotel lui a valu l’Oscar de la meilleure musique originale, tandis que La Forme de l’eau lui a offert un second Oscar.
Son écriture peut être délicate, élégante, mélancolique ou spectaculaire. Elle accompagne aussi bien l’univers très particulier de Wes Anderson que le fantastique de Guillermo del Toro. Desplat montre ainsi que la musique de cinéma continue de se renouveler sans perdre son pouvoir de mémorisation.
Et quelques thèmes devenus mythiques
Il serait impossible de terminer cette liste sans citer Elmer Bernstein et son thème des Sept Mercenaires. Son énergie et ses cuivres donnent immédiatement envie de voir les cavaliers entrer en scène. Le morceau est devenu l’une des grandes signatures musicales du western.
Autre exemple : Alan Silvestri et Retour vers le futur. Son thème accompagne les voyages de Marty McFly et de la DeLorean avec une énergie qui correspond parfaitement à l’esprit du film.
Ces musiques ont un point commun. Elles ne servent pas seulement à remplir le silence entre deux dialogues. Elles donnent un rythme, une couleur et parfois même une personnalité aux films. Certaines finissent par vivre seules, dans les concerts, les souvenirs ou simplement dans la tête des spectateurs. Quelques notes suffisent alors à faire revenir tout un film.